ВЫСТАВКА И ПРОЕКТ ГОДА

2016-й в нашем опросе

29/12/2016

Год подходит к концу, и Arterritory.com пригласил важных для нас персон из мира искусства – кураторов, критиков, художников – высказаться о том, что, на их взгляд, было главным в уходящем году среди художественных событий 2016-го. Мы традиционно объединили ответы респондентов из Балтии, Скандинавии и России – той культурно-географической сферы, что нас интересует, – и вот что у нас получилось.

Опрос мы будем публиковать до самого конца года в нескольких частях, а начнём с ключевых вопросов. Наиболее заинтриговавшая и впечатлившая вас выставка 2016 года? А также – наиболее важный крупномасштабный проект 2016 года в сфере искусства?

Вид экспозиции павильона стран Балтии на 15-й Венецианской биеннале архитектуры. Фото: Ансис Старкс

Майя Рудовска, историк искусства, куратор (Латвия)

Выставка – общий павильон трёх балтийских стран на 15-й Венецианской биеннале архитектуры.

Проект – 9-я Берлинская биеннале современного искусства, которую курировал коллектив DIS и которая вызвала немало размышлений о феномене современного так называемого искусства постинтернета.

Джордан Волфсон (Jordan Wolfson). Colored sculpture, 2016. Collection LUMA Foundation, courtesy the artist, Sadie Coles HQ London and David Zwirner, NY. Фото: Dan Bradica

Милена Орлова, главный редактор The Art Newspaper Russia (Россия)

Мой список может быть длинным, назову лишь несколько выставок. Это коллекция французских модернистов Сергея Щукина в музее Луи Виттон в Париже, выставка мексиканского искусства XX века в Гран-Пале в Париже, выставка Тино Сегала в Пале Токио в Париже, выставка молодого американского художника Вольфсона в Стеделийке (Амстердам) – конкретно кинетическая инсталляция «Раскрашенная скульптура», это прекрасная выставка «Пиранези – до и после» в ГМИИ им. А.С. Пушкина в Москве, наконец, это выдающаяся выставка Яна Фабра «Воин красоты» в Эрмитаже.

Самым интересным проектом 2016 года я считаю празднование 500-летия со дня смерти Иеронима Босха, особенно выставку в его родном городе Хертогенбосе в Голландии. И не только выставку как таковую, но и всю огромную исследовательскую и организационную работу, которую за 10 лет подготовки к этому событию провели люди, входящие в «проект Босх» – это атрибуция картин, их изучение и описание.

Алекс Катц (Alex Katz). Dogwood. 2016. Фото: ropac.net

Эрвин Вурм, художник (Австрия)

Я видел не так уж много выставок, т.к. сам довольно много работал. Но мне понравилась очень милая экспозиция Алекса Катца «Новые пейзажи» в Galerie Thaddaeus Ropac в Париже. И была ещё фантастическая экспозиция творчества Захи Хадид на Венецианской биеннале архитектуры.

Майкл Лэнди у своей работы Spin the Saint Catherine Wheel and Win the Crown of Martyrdom. 2013. © 2016 Museum Tinguely, Базель. Фото: Matthew Lee

Лаура Руткуте, креативный директор галереи Vartai (Вильнюс)

Имя, которое сразу приходит на ум – это Майкл Лэнди (Michael Landy). И действительно, его выставка «Out of Order», представленная в музее Жана Тэнгли этим летом во время Art Basel, очень меня впечатлила. Я интересуюсь этим художником с его проекта «Break Down» в Лондоне (2001), в ходе которого он уничтожил и разрушил всё своё имущество и пожитки в помещении бывшего супермаркета.

В этот раз при входе на экспозицию меня поприветствовала «Credit Card Destroying Machine» (2007). Суть была в том, что мне предлагался подписанный художником рисунок, созданный машиной, в обмен на моё согласие на то, что моя действующая банковская карточка будет нашинкована на дюжину маленьких кусочков. Это душезахватывающее действие было хорошим началом для всей остальной выставки, но что меня действительно там вдохновило – это чувство лёгкости и свежести и в то же время хорошая порция эстетизма и юмора.

Пабло Элгуэра (Pablo Elguera). Artoons. Löwenbräukunst. © Фото: Manifesta11/Wolfgang Traeger

Нельзя обойти вниманием и основную экспозицию Manifesta в Цюрихе. Мне там очень понравились «Artoons» Пабло Элгуэры, это была серия комиксов о мире искусства, которая сопровождала посетителей через всю выставку.

Донна Хуанка (Donna Huanka). Scar Cymbals. 2016. Performance. Фото: Thierry Bal

Дэвид Кеннеди Катлер, художник (США)

Всегда сложно выделить лишь одну выставку, можно, я заявлю сразу три? Всё это экспозиции женщин-художников, они имеют дело c самопрезентацией через украшение и рассматривают одежду, или «искусственную кожу» для тела как контркультурное приключение. Две из выставок расположились в Лондоне: «Scar Cymbals» многообещающей Донны Хуанки (Donna Huanca) в Zabludowicz Collection, затем «The Vulgar» в Barbican (открыта до 5 февраля 2017-го) – экспозиция моды, собранная куратором Джудит Кларк, с сопроводительными текстами на стенах от её мужа, Адама Филлипса, который рассматривает моду со своей точки зрения психоаналитика. А несколько раньше в Нью-Йорке проходила экспозиция Сары Гринбергер Рафферти (Sara Greenberger Rafferty) в галерее Rachel Uffner, сфокусированная на теме, уже заявленной в её названии, – «Dresses and Books».

В АРХИВЕ: Интервью с Донной Хуанкой (2016)

Габриэль Лестер (Gabriel Lester). Nine Days A Week

Мартен Эско, куратор (Эстония)

Если смотреть с локальной, балтийской точки зрения, то я бы назвал выставку Габриэля Лестера (Gabriel Lester) в Вильнюсском центре современного искусства под названием «Девять дней в неделю», это было нечто, что вполне можно назвать интригующим; с другой стороны, это лишь один из заслуживающих внимания проектов последнего времени.

«Первоначальная идея выставки заключалась в очень прямолинейной идее реализовать проект под названием "Хуев@я выставка", но, посчитав название слишком буквальным, мы отказались от этой идеи, и в коллективном споре родилось название "Изжога", являющееся квинтэссенцией наших ощущений от участия в актуальном художественном процессе». Из кураторского вступления

Ростан Тавасиев, художник (Россия)

Групповая экспозиция «Изжога» в московской галерее «Электрозавод», посвящённая отношениям художника и арт-индустрии, в этой же галерее – выставка Алев Авдил и Саши Бурхановой «А также», затем – «Watch Me Move: Легенды и лица мировой анимации» на ВДНХ, выставка «Альбер Марке. Распахнутое окно. Произведения из музеев и частных собраний России и Франции» в ГМИИ им. А.С. Пушкина.

Из больших проектов не могу выделить какое-нибудь одно событие. Да и не вижу смысла выделять. Любопытен и важен весь процесс целиком.

Дайга Грантиня (Daiga Grantiņa). Buff in Flight. Фрагмент экспозиции Heap-Сore,,,. 2016. Центр современного искусства kim? © Фото: Toan Vu-Huu

Каспарс Грошевс, художник, галерист (Латвия)

Я бы назвал персональную выставку Дайги Грантини «Heap-Core,,,» в центре современного искусства kim? – хотя бы из-за того, что наконец-то эту отличную художницу можно было посмотреть и в Риге. Хотелось бы чаще видеть экспозиции её и других постоянно живущих за рубежом художников из Латвии, а не просто порой глазеть на них как на редкие инородные тела.

Марка Камилл Шемовиц (Marc Camille Chaimowitz). An Autumn Lexicon. Serpentine Gallery. Вид экспозиции. © Фото: Hugo Glendinning

А дольше всего хотелось задержаться в пространстве выставки Марка Камилла Шемовица (Marc Camille Chaimowitz) в галерее Serpentine, втиснуться между формами и узорами, посидеть у радио и послушать музыку, а может быть, выпить бокал вина или примоститься на какой-нибудь созданной художником мебели. Мир, воплощённый этим художником, полон деталей и открытий, которые трудно соотнести с каким-то конкретным временем и местом происхождения, но всё кажется таким знакомым и даже где-то пригрезившимся.

В АРХИВЕ: Интервью с Дайгой Грантиней

DIS. The New Wholesome (tags: flip flops, dishwasher, gap, sniff). 2013. Courtesy DISimages. Экспозиция Co-Workers. Network as Artist

Зане Онцкуле, основательница центра современного искусства kim? (Рига, Латвия)

Каждая по отдельности и все вместе взятые: Balthus на вилле Медичи в Риме, Aldo Modino в галерее Isabella Bortolozzi в Берлине, Anne Imhoff в Kunstalle Basel в Базеле и Darja Meļņikova & Agata Meļņikova в галерее 427 в Риге.

Как крупноформатное событие я бы выделила проект коллектива авторов из Нью-Йорка DIS – «тур» по Европе: выставка в Париже («Co-Workers. Network as Artist, The Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris») и её неофициальное продолжение, т.е. программа 9-й Берлинской биеннале. Её стоит упомянуть потому, что она была очень точна как в выборе участников, так и в своих форматах, выделив действительно актуальные вещи в практике сегодняшнего искусства.

В АРХИВЕ: Интервью с Дарьей Мельниковой (2015)

Персонажи Кейт Бланшетт в проекте Manifesto, 2014/2015 | © VG Bild-Kunst, Bonn 2016

Бригита Рейнерт, арт-теоретик, критик (Эстония)

Наиболее незабываемый опыт для меня – это «Manifesto» Джулиана Розефелдта в Hamburger Bahnhof в Берлине. Многоэкранная инсталляция представляла коллекцию художественных деклараций прошлого века, проинтерпретированных художником как поэтические монологи, чтобы задуматься о социальных и политических контекстах, которые формируют роль автора в обществе. Связывая воедино «высокую» и «низкую» культуру, Розефелдт создал серию высокопрофессиональных короткометражных фильмов, пригласив Кейт Бланшетт исполнить в них главную роль. Бланшетт воплотила на экране тринадцать разнообразных персонажей – от бездомного до ТВ-диктора. В каждом видео иная ситуация, иной мир формирует свой метанарратив, откликаясь на конкретные художественные движения и их манифесты, которые озвучивает протагонист.

V Artishok Biennale в NO99 Theatre

Из локальной эстонской сцены я бы выделила V Artishok Biennale, которая проходила в помещениях таллинского театра NO99. Концепт биеннале сводит вместе 10 художников и 10 критиков, которые становятся равноправными участниками экспозиции. Каждый художник показывает свою работу в течение одного дня, а все участвующие критики пишут, что они о ней думают; сама работа и критические отзывы на неё представляются параллельно в пространстве выставки. В этом году куратор биеннале Эвелин Раудсепп (Evelyn Raudsepp) решила пересмотреть этот и без того «игривый» формат и перенести экспозицию в театральное пространство. С его использованием весь проект обрёл форму параллельной реальности, которая оказалась способна манипулировать нашим чувством времени и пространства. Вдобавок было замечательно, что представленные здесь работы обозревались не только профессиональными арт-критиками, но и авторами, пишущими о театре, философии и т.д.

Иероним Босх в мастерской. Фрагмент «Искушения святого Антония». 1510–1515. Фото: museodelprado.es

Сергей Хачатуров, арт-критик и куратор (Россия)

Выставка к 500-летию кончины Иеронима Босха. Она прошла в музее Прадо в Мадриде и стала одним из исторических событий планетарного масштаба. На ней впервые почти исчерпывающе показали наследие самого художника, а также выстроили грандиозный культурный контекст. Оказалось, что Босх художник не просто современный, но «будетлянин», и сегодня он футурист. Его метод и миры, им создаваемые, радикально ставят проблемы о том, что такое, например, постинтернет, постсовременность и техногенная цивилизация.

Мне приятно, что Молодёжная Московская биеннале не сгинула, а, наоборот, вопреки невзгодам окрепла, явила силу, волю и показала веер отличных проектов с молодыми художниками, отражающими новые тенденции арт-мира. Больше всего понравились проекты кураторов Жоао Лао (João Laia) и Надима Саммана (Nadim Samman).

Работа одного из участников Рижской квадриеннале скульптуры Жилвинаса Ландзбергаса (Žilvinas Landzbergas). Crown Off. Image courtesy of Contemporary Art Centre, Vilnius. Фото: Андрей Василенко

Франсиско Мартинез, антрополог (Испания/Эстония)

Есть две экспозиции, которые только росли со временем в моём сознании после того, как я посмотрел их полгода назад. Первая – это «Who is this I that can say I?», совместная арт-интервенция художника Нади Цулукидзе (Nadia Tsulukidze) и куратора Лали Пертенавы (Lali Pertenava) в прекрасном Государственном музее шёлка в Тбилиси. Вторая выставка – «Kraam (Stuff)», её авторы – Киллу Сукмит (Killu Sukmit) и Минна Хинт (Minna Hint). Это даже больше, чем экспозиция, «Kraam» – это artist-run space, которое открывается каждое воскресенье в центре Polymer, в Таллине, чтобы поддержать иммигрантов с помощью материальных пожертвований, дружеской помощи и культурной активности.

Из более крупноформатных проектов я бы назвал два, в которых принимали участие несколько моих друзей и коллег. Это Artishok Biennale в Таллине, которую курировала Эвелин Раудсепп. Мне показалось, что её формат был очень оригинальным и достаточно действенным в привлечении аудитории к пониманию нюансов арт-критики. Второй проект – Sculpture Quadrennial Riga, которую курировали Айгарс Бикше (Латвия), Кирке Кангро (Эстония) и Элона Лубите (Литва). Такого рода внтурирегиональные коллаборации особенно полезны для обмена опытом, для уточнения концепций феномена локальности, они также позволяют собрать серьёзный бюджет и институционную поддержку.

Мона Хатум (Mona Hatoum). Hot Spot III 2009. © Mona Hatoum. Фото: Agostino Osio. Courtesy Fondazione Querini Onlus, Venice

Михаэль Хаагенсен, куратор (Эстония)

Мона Хатум (Mona Hatoum) – обзорная экспозиция в Tate Modern, в Лондоне. Яаанус Самма (Jaanus Samma) – «NSFW – A Chairman’s Tale», экспозиция, побывавшая на прошлой Венецианской биеннале и в этом году показанная в эстонском Музее оккупации. Ясс Каселаан (Jass Kaselaan) – «Vaikelu» в Hobusepea Galerii в Таллине.

В АРХИВЕ: Интервью с Моной Хатум (2016).
В АРХИВЕ: Интервью с призёром Премии Келлера 2015 эстонским скульптором Яссом Каселааном (2015)

Edmund de Waal. Irrkunst. Вид экспозиции Max Hetzler Gallery. Фото: www.maxhetzler.com

Бо Нилссон, арт-директор Artipelag (Швеция)

Самое большое впечателение оставила выставка британского художника Edmund de Waal «Irrkunst» в Max Hetzler Gallery в Берлине.

Джульен Робсон, куратор (Австрия/США)

В начале года я попал на выставку «Baroque Baroque» в Зимнем дворце в Вене. Противопоставление этого замечательного здания и интереснейших исследований Олафура Элиассона по механизмам нашего восприятия породили интереснейший и вдохновляющий результат.

Ещё я бы хотел назвать выставку Berlinde De Bruyckere «Suture» в Музее Леопольда и в особенности коллективный перформанс, который она осуществила вместе с танцовщицей Romeu Runa. Здесь тело предстало как нечто непостоянное и уязвимое, как бы резонируя с меланхоличной красотой скульптур автора.

Одна из работ москвички Ксении (она подписывается Poslushai и ведёт в Фейсбуке «Переменную облачность»)

Павел Герасименко, арт-критик, (Россия)

Обозревая по долгу службы в течение года отечественные выставочные блокбастеры, начинаешь особенно ценить художественные явления, прошедшие незаметно для широкой публики. Это, например, выставка пожилого непрофессионального художника Виктора Кучинского, состоявшаяся в хорошо известном петербургском artist-run space «Люда» – на ней было показано большое количество работ художника, сделанных за последние 50 лет. Это наивный сюрреализм, вдохновлённый образами Дали, Дельво и де Кирико и отличающийся характерной эротической тематикой. Подобное искусство было многие годы эстетически репрессировано как «справа» – со стороны Союза художников, так и «слева» – в нонконформистской среде, но теперь кураторы с мировым именем вроде Массимилиано Джони или Жана-Юбера Мартена инкрустируют свои проекты таким художественным материалом.

Ещё одно петербургское художественное событие со сведенной к минимуму спектакулярностью – акция приехавших из Москвы художников Коли Онищенко и Димы Филиппова, вдохновлённая ситуационистским «дрейфом» и прошедшая в начале года на самой окраине города, в Уткиной заводи, с участием трёх зрителей (одним из которых оказался я) на ледяном ветру. Местом действия были выбраны заброшенные ангары и теплицы, густо заросшие изнутри кустарником, – в таком впечатляющем пространстве художниками были расставлены аккуратные пластические акценты. По завершении акции целиком в традиции «Коллективных действий» присутствующим были розданы документальные подтверждения участия – авторские фотоотпечатки работы Филиппова.

Одна из работ уличного художника Максима Имы

Граффити тоже проходит незамеченным, поскольку число зрителей этого искусства можно считать случайным. В этом году особенно интересными были два автора, работающие преимущественно нелегально, – петербуржец Максим Има с длинными содержательными текстами на стенах и москвичка Ксения (она подписывается Poslushai и ведёт в Фейсбуке «Переменную облачность»), чьи работы, часто заметные в центре Москвы, – ромбовидная пиктограмма с лисьей головой – сопровождали и неизменно радовали меня во время московских путешествий и прогулок по городу.

В АРХИВЕ: Самая впечатляющая выставка и самое выдающееся культурное событие 2015-го