О новой материальности
Через традиционные техники к новым формам. Разговор с эстонской художницей Лаурой Пыльд, лауреатом приза Claus-Michaletz-Preis 2021 года
Лаура Пыльд (1984) – художница, которая умеет каждый раз удивлять и радовать творческой игрой с разнообразными материалами, художественными техниками и темами. Кажется, нет художественного средства, которое она не смогла бы освоить, чтобы наиболее полно и убедительно раскрыть интересующую её проблематику. Активно работая как в Эстонии, так и за рубежом, Лаура представляет собой образ идеального современного художника – коммуникабельная и трудолюбивая, тонко (пред)чувствующая темы, важные для современного глобального общества, владеющая традиционными художественными средствами, но и открытая всему новому. А главное – способная говорить прежде всего на языке изобразительном, погружая зрителя в различные темы через предъязыковой пространственно-визуальный опыт. В этом полугодии с творчеством Лауры, ранее отмеченном за существенный вклад в художественную жизнь Эстонии премией имени Адо Ваббе (2013), наградой в области современного искусства Köler Prize (2016) и премиями фонда «Капитал культуры Эстонии» (2014 и 2018), а в этом сентябре удостоенном задуманной для молодых авторов Восточной Европы Claus-Michaletz-Preis, можно будет познакомиться в Тарту, Турку, Вене, Берлине и Граце.
Лаура Пыльд. Фото: Диана Тамане
Лаура, ты училась в Эстонской академии художеств на отделении керамики и в Тартуском университете на отделении живописи, а затем пришла к созданию сложных художественных объектов и пространств: многослойных в плане как художественных средств, так и содержания. Сейчас ты вернулась к керамике, но не в контексте прикладного искусства, а как весомый участник современного арт-мира. Расскажи, пожалуйста, о своём интересе к различным художественным медиа и материалам, который направляет твои проекты!
Несмотря на то, что творчество для меня – очень личный процесс, связанный с оформлением выставок этап работы обращён к зрителю, где каждая выставка – очередной эксперимент. Как керамика, так и живопись составляют при подготовке выставки лишь половину конечного результата. Когда картины готовы, а объекты прошли обжиг, покрытие лаком, упаковку, самая ответственная работа всё ещё впереди. Это и направляет мои поиски. Говорят, что на выставке 30% – вклад самих произведений, а 70% – вклад кураторской работы. Это выбор названий работ, их последовательности на экспозиции, соединение и разделение, нащупывание нужной тональности и её настройка, которые в моём случае происходят, как правило, уже в выставочном пространстве и довольно-таки медленно. Таким образом, мне необходимо приберегать для монтажа выставки весьма много энергии и времени, чтобы на определённом этапе перевоплотиться в другую роль.
К моей радости, в последнее время всё более распространённым методом становится умение видеть потенциал творческих средств не только в классических художественных принадлежностях, но и в текстах, пространствах, камнях, цветах, почве, древесине и многим других материалам, найти которые можно, к примеру, на территории снесённого дома. Предпочтение отдается уже существующей, растущей и разлагающейся материи, когда способ выражения, играющий техническими навыками художника в создании новых объектов, несколько уходит на второй план. Эта позиция подчеркивает агентность материала. С антропологической точки зрения, конечно, очень интересно следить, какие образы хочет человек писать или лепить сегодня. Ведь и человек – всего один из факторов этого мира, при этом весьма недолговечный.
Из экспозиции «Hello from inside» в рамках International Studio & Curatorial Program (ISCP), Нью-Йорк, 2019
Когда я училась в Таллинской (детской) художественной школе, одним из моих первых учителей была скульптор Ану Пыдер, известная экспериментами с нетрадиционными материалами: мы тоже должны были работать с материалами, найденными в природе или предметном мире вокруг нас. Наверное, уже с этого времени для меня стало неотъемлемым понимание всех материалов как ценных и интересных. Во время обучения в Эстонской академии художеств большое творческое влияние на меня оказала прекрасный художник и преподаватель, керамист Ингрид Аллик. У неё, как мне кажется, есть уникальная способность замечать и коллекционировать предметы, помещая их в интересные ансамбли и диалоги. У Махмуда Дарвиша есть стихотворение под названием «In the company of things» («В обществе вещей»), которое начинается так:
«We were guests of things, most of them
care less than us when we leave them…»
К счастью, выбор материала не исходит из инерции и привычки постоянных «упражнений». Выбор, родившийся через трактовку конкретной темы, кажется всегда более обоснованным и ответственным. Мой творческий метод или мотивация к работе с чем-то развивается, как правило, очень непосредственно – из актуальных опытов и вопросов моей собственной жизни: обитание в другом культурном и языковом пространстве, адаптация к чужим местам, поиск чувства защищённости, позиция людей в отношении природы, привычки производства и потребления, биографии художников прошлого и настоящего и т.д. Эти проблемы открывали для меня новые перспективы, и я начинала «распутывать» их дальше, в своём творчестве: то более интуитивно, то взяв за основу конкретные тексты. Среда (обитания), материальные связи и переплетения, окружающие нас ландшафты были и остаются для меня одной из центральных тем для творческих размышлений. Сейчас эти темы становятся всё более актуальными. Иногда я пытаюсь просто наблюдать происходящее – к примеру, прорастающий ямс на моём рабочем столе, как это было в арт-резиденции в Нью-Йорке.
Из экспозиции «Hello from inside» в рамках International Studio & Curatorial Program (ISCP), Нью-Йорк, 2019
Эту тему материальности ты рассматривала и как куратор: подготовленная совместно с Кати Сааритс выставка «между собой. об умениях» в Эстонском музее современного искусства (далее – EKKM) в 2018 году оставила очень сильное впечатление! Расскажи об идее и формировании этой экспозиции.
Этот проект родился благодаря неожиданно обретённым дружбе и профессиональному взаимопониманию. Я познакомилась с художником и энтузиастом прикладных форм Кати Сааритс в 2016 году в EKKM, а сдружились мы на симпозиуме керамики в Кохила, когда нам выпало задание подбрасывать в ночной смене дрова в печь для обжига. Для нас обеих в художественной сфере весьма ясно вырисовались два отдельных мира – в первом, мире керамики, очень много времени занимает изготовление самодостаточного произведения (к примеру, обжиг керамики в дровяной печи – очень физическая и трудоёмкая техника, которая в тот момент стала для нас характерным примером некоего важного ощущения), но большая часть этого опыта, радость от работы в команде и напряжение в работе с огнём до публики не доносятся. Второй мир – экспонируемое в столичных галереях «свободное» визуальное искусство – нередко поглядывает на керамику, заимствуя привлекающие его моменты: застывшее прикосновение, блеск и эротику, дразнящую наивность, искренность, свежесть, близость к земле и сельской жизни, впечатление знакомого явления. Всё то, чем нас завораживает глина и работа с ней.
В то же время мы много говорили о том, какие знания и многолетняя практика используются и ценятся в отдельных небольших группах профессионалов, но как нам хотелось бы сделать эти два мира ближе, представить их и соответствующих авторов наравне. Подчеркнуть, что мы постоянно заимствуем друг у друга: в последние годы, например, много заимствуем из прикладного искусства. И у нас так много легендарных авторов, которые десятилетиями живут и работают среди нас. Эстония такая маленькая, что эта идея показалась оригинальной: соединить две практики – критическую/концептуальную / основанную на цитатах / сайт-специфик и сосредоточенную на умениях, вневременных формах и красоте, традициях, цвете и текстуре.
С этого момента уже прошло какое-то время: тогда казалось немного старомодным, что практически все художники старшего поколения, пришедшие в мир искусства через искусство прикладное, называли источником своего вдохновения природу. Но сейчас, всего тремя годами позже, тема (защиты) природы – одна из самых животрепещущих. Отбор конкретных авторов произошёл также сравнительно быстро: Кати уже давно мечтала поработать с наследием керамика Лео Рохлина или художника по текстилю Леэзи Эрм, так наша идея начала стремительно обретать форму. Моя энергия ушла, наверное, больше на поиск более молодых партнёров по диалогу вне Эстонии. Но мы поделили между собой большую часть заданий, и сотрудничество протекало в атмосфере взаимной поддержки: этот проект до сих пор остаётся одним из самых моих любимых. Незабываемое впечатление произвели инсталляции-диалоги авторов различных поколений и художественных сфер: керамиста Хелле Видевик и живописца Нади Хебсон, Лео Рохлина и тандема дизайнеров Кайса Сёэт – Койт Рандмяэ.
Из экспозиции «Living / Making Rituals. An Exhibition at Home» в домашней студии Лауры Пыльд в Вене во время Vienna Art Week 2020
Помимо материала, какие моменты и темы важны для тебя и твоего творчества? Как мне кажется, в твоих работах особое место принадлежит тематике природы, а также ритуала. Ещё я бы отметила, что «семантика материала» керамики предлагает интересные археологические коннотации, которые ярко выразились в ряде твоих проектов.
Несмотря на то, что последние два года я работала в основном в ателье, на основании более раннего опыта я могу сказать, что моей отправной точкой становятся определённые моменты «здесь и сейчас» (сайт-специфик), а мои проекты развиваются как ответы на проблемы и идеи, возникшие в связи с конкретным месторасположением будущей выставки. Хорошие возможности для возникновения таких специфических взаимоотношений предлагали мне программы арт-резиденций: к примеру, в Нью-Йорке, Германии, Иране, Японии и т.д.
Практику, основанную на диалоге с процессом, местом и материалом поддерживают поиски теоретических текстов в области философии и естественных наук. В последнее время меня все больше интересуют взаимоотношения естественных и гуманитарных наук, которые, как кажется, становятся все более тёплыми. К примеру, тексты о квантовой физике мне читать очень сложно, и моя работа начитается там, где заканчивается моя способность понимать: то, что я делаю, это вчуствование в тему прежде всего для меня самой. Последующие «рукотворные» методы работы, может быть, несколько мешают, привлекают к себе слишком много внимания. Для меня это – техника перевода идей, до конца непонятных, которые особенно сложно объяснить в фазе неоконченной работы. Поэтому для меня творчество – непрерывный и трудный процесс обучения.
Из экспозиции «Shedding Skin» в галерее Vaal, Таллин, 2020
Тем не менее в ситуации, вызванной коронавирусом, ты была вынуждена работать с определёнными арт-медиа и материалами. Расскажи о своих рисунках, которые ты показала в прошлом году на совместной выставке с Пирет Карро в галерее «Ваал», и о текстильных объектах, выполненных этой весной в Вене!
Поездка в Будапешт для встречи с Пирет Карро в марте прошлого года, чтобы обсудить предстоящую выставку, оказалась последней на долгие месяцы. Но галерея «Ваал» проявила гибкость, и выставка осталась в плане. Таким образом, привычная свобода передвижения и возможности работать в мастерских были ограничены, но необходимость показать новые творческие работы не отменялась. В то же время очень давил быт: я и мой спутник жизни переезжали, и все наши пожитки было необходимо отсортировать и упаковать. Бумага и карандаш для меня – скорее средство для заметок, списков, быстрых набросков, но теперь, будучи ограниченной в рабочем пространстве и живя среди коробок с вещами, я стала видеть зарисовки «спокойных» объектов как интересное размышление. Куски ткани, оставшиеся от одной недавней инсталляции, напоминали о выполненных работах: их немнущаяся и свободно спадающая фактура позволяла проводить увлекательную работу со складками и наслоениями, которые в качестве упражнения было интересно комбинировать и зарисовывать. «Архаичная» техника казалась подходящей замершему в локдауне миру. Этот спокойный и даже старомодный процесс стал на самом деле важным этапом, ведь развешенные в галерее «Ваал» пласты бумажной глины, напоминающие кожу, являются ближайшими родственниками моих карандашных рисунков. Структуры с металлическим каркасом, напоминающие хижины и юрты, дерновые кочки, отсылали к поискам дома и стабильности, о чём говорили и тексты Пирет. Старая кожа, которую время от времени необходимо менять, одновременно грустна и красива, также она дарит прибежище.
Закрывшиеся в ковидный локдаун мастерские поставили меня перед фактом, что на какое-то время мне необходимо будет найти альтернативу, чтобы выполнить запланированные выставки и защитить дипломную работу в Университете искусства и дизайна в Линце. С текстилем (инсталляции, вышивка, гардины и т.д.) я работаю, наряду с другими материалами, уже более 10 лет. Но тафтинговый пистолет стал для меня новым инструментом, который к какой-то степени делал возможным близкий к живописи подход. Работа с коврами – это творческий процесс, которым я могу с начала и до конца заниматься дома, используя знакомые из сферы живописи рамы, а большую часть материалов я при необходимости могу заказать в интернет-магазинах.
Из экспозиции «Shedding Skin» в галерее Vaal, Таллин, 2020
Как я предполагаю, коронавирус значительно повлиял на твой образ жизни. Ты ведь вела жизнь образцового современного художника-номада: много путешествовала, участвовала в международных выставках и работала в арт-резиденциях. Расскажи о том, как изменилась твоя жизнь. Ты веришь или хочешь, чтобы ситуация стала прежней, или настраиваешься на другие решения?
В моей рабочей жизни период, когда всё действительно замерло, остался очень непродолжительным – всего пара месяцев прошлой весной. Рабочий темп восстановился уже к лету, и сейчас получилось так, что отменённые в прошлом году выставки и запланированные на этот год проекты происходят одновременно, так что у меня впереди много интересных событий. Значительно сократились путешествия на самолёте: к сожалению, это чувствительно урезало моё культурное потребление, возможности зарядиться новыми впечатлениями и идеями. В Вене, где мы живём, выставочные и концертные залы, кинотеатры оставались очень долго закрытыми.
Из экспозиции «Premonition», Le lieu unique, Нант, Франция, 2018
Этой весной ты окончилась магистерскую программу «Пластические концепции и керамика» в Университете искусства и дизайна в Линце. Что означает для тебя художественное образование? Есть ли существенные различия в системах высших художественных учебных заведений в Эстонии и Австрии?
Поступление в университет в Австрии после длительной паузы в образовании было связано с желанием интегрироваться в другую культурную среду, выучить язык, найти коллег со схожими интересами, а также стать специалистом по специальности, ликвидированной из учебных программ многих европейских университетов. У меня не было ожиданий, что университет изменит мою жизнь, но мастерские в Линце были просто роскошными – просторными, что до пандемии позволило мне выполнить несколько серий масштабных керамических скульптур. В основе обучения была самостоятельная работа, к чему меня уже приучил регулярный ритм выставок. В Эстонии я училась давно, но до сих пор помню большой индивидуальный вклад в каждого студента. Несомненно, это преимущество маленькой страны – хорошо работая, чувствуешь себя востребованным в своей сфере. При поддержке преподавателей творческое раскрытие и развитие, обретение самостоятельности происходило очень быстро. В Австрии же распространённой практикой является растягивание учёбы на годы, для продления бесплатного обучения существуют различные схемы – к примеру, участие в работе студенческого представительства.
Размышляя о вопросе художественного образования как такового и отталкиваясь от своего предыдущего опыта, я на самом деле немного беспокоюсь о тех, кто сейчас выбирает художественную профессию. Вопрос, чему и как обучать за столь короткий период, очень непростой – но эта проблема актуальна и для других специальностей. Будучи сейчас членом совета Высшей художественной школы «Паллас», в Эстонии я с радостью отмечаю особую заботу о том, чтобы у студентов были возможности конкурировать на рынке труда по своей специальности. В Австрии, наверное, более естественно, что художник должен зарабатывать себе на жизнь работой по другой специальности, к примеру, в обслуживающем секторе.
Когда я сама сделала свой выбор в пользу художественного образования, оно казалось мне полуволшебным и меня не заботила проблема, как я буду зарабатывать себе на хлеб. Непосредственное влечение к искусству я почувствовала уже в первых классах начальной школы, и откуда-то ко мне пришла идея поступить в Таллинскую (детскую) художественную школу, а затем в Эстонскую академию художеств. Легенды об Академии, а также серьёзное отношение к образованию в моей семье сделали поступление в неё очень желанным. Тут сказались и рассказы старших друзей, вечеринки и выставки, легендарное кафе Академии. Схожее благоговение я испытывала перед Тартуским университетом, где окончила отделение физики моя бабушка, настоящая суперженщина. Тартуский университет также предоставлял возможность пополнить образование и кругозор через предметы по выбору из программы других факультетов.
Из экспозиции «Premonition», Le lieu unique, Нант, Франция, 2018
Насколько важна для тебя связь с Эстонией – можно ли сказать, что она подпитывает тебе не только в эмоциональном, но и творческом плане?
Может быть, это из-за того, что мой возраст начинает приближаться к 40 годам, но в последнее время я больше не пытаюсь «влиться» в любую среду. Я всё больше признаю, что мне необходимо самовыражение на эстонском, и это помогает избежать напряжения в общении. Беседы об искусстве и культуре на родном языке необходимы мне для анализа и осмысления своей деятельности. Важны и практические моменты, такие как поддержка художниц и дискуссии о гонорарах художников в Эстонии: они помогают выдерживать рабочее напряжение. Потом ещё такие географические особенности, как «плоскостность» северо-эстонского ландшафта, всё ещё сравнительно редкая застройка и небесный простор, которые я вижу в Эстонии, – это, по сравнению в Веной, обилие воздуха и пространства оказывает на меня даже физическое влияние! Я не была в Эстонии почти год, может быть, это ощущение усилила тоска по дому. Мне очень важна спокойная и планомерная подготовка к выставкам, т.е. приятный повседневный ритм. На родине проще найти партнёров для сотрудничества и специалистов для консультаций, так что я наслаждаюсь работой в Эстонии и скоростью, с которой здесь решаются проблемы. Особенно радует меня возможность неспешного корпения в моем постоянном ателье в здании бывшего комбината «ARS» в Таллине.
Из экспозиции «Beautiful Necessity» в сотрудничестве с Эвой Вольмерсон, ARS Showroom, Таллин, 2020
Какие из своих последних проектов ты сама бы хотела выделить?
Выставку «Doing What They Do Best», которая в мае-июне прошла в Линце, в галерее Kunstraum Memphis. Наверное, она стала моей самой крупной персональной выставкой за последний год. Как это уже бывало в моих более ранних проектах, центральной темой здесь стало использование земли, т.е. я рассматривала видимые глазу последствия деятельности человека в ландшафте. С высоты птичьего полёта антропогенный ландшафт напоминает пёстрый ковёр. Следы сельскохозяйственной деятельности покрывают землю огромным узором. Деятельность человека во имя возделывания почвы и ускорения этого процесса, повышения урожайности оставляет после себя очень неестественную природную среду. Чем большую культивацию прошёл данный регион, тем более геометричны узоры его ландшафта; нерегулярность и дикая растительность обнажают покинутые места, запущенность, бедность и анархию.
Посредством скульптур и абстрактных ландшафтных моделей я размышляла о взаимосвязях терраформирования, экологии и экономии. В рамках этой выставки я соединила различные материалы – глину, пряжу, фанеру, сталь и найденные предметы, в качестве одного из элементов я также использовала ковры. Выставку сопровождал прекрасный текст «Family Matter» междисциплинарного автора Лу Шеппарда, который взаимодействовал с моими объектами на разных уровнях: со своим точным, поэтическим языком он сосредоточился на передвижении живых существ, человеческом и змеином поведении, материальных трансформациях.
Из экспозиции «Doing What They Do Best», Kunstraum Memphis, Линц, Австрия
2021
Каков твой ближайший выставочный график? Рискнёшь ли ты сейчас поделиться долгосрочными планами?
27 августа в тартуской галерее Kogo открылась курируемая Шельдой Пуките групповая выставки «Bambi Project» по мотивам книги Феликса Зальтена. В сентябре откроется моя персональная выставка в рамках серии «Dark blue smells salty, yellow tastes bitter», курируемой Стеффом Парловом в одном венском ресторане под названием Kommod. Также в сентябре я выступлю на берлинской арт-ярмарке «POSITIONS» в сотрудничестве с галереей AV17 и в рамках присуждённой мне премии Claus-Michaletz-Prize. В ноябре в Финляндии, в галерее «Titanik» города Турку, состоится выставка «The Exquisite Corpse» – мой совместный проект с Лу Шеппардом. Курируемая Катрин Майер выставка «Domestic Drama» откроется в декабре в Граце, в галерее Halle fr Kunst Steiermarkis. Из более отдалённых проектов я назвала бы участие в групповой выставке, которая состоится в Художественном музее KUMU в Таллине в 2023 году. Для этого проекта, посвящённого теме антропоцена и курируемого Линдой Кальюнди, Эхой Комиссаров и Ульрике Плат, мы с Лу Шеппардом сделаем новую работу. Мне очень нравится такой «долгосрочный» проект, который даёт возможность вчитаться и вдуматься в большие и серьёзные темы.
Из экспозиции «Doing What They Do Best», Kunstraum Memphis, Линц, Австрия
2021
